(M)IMOSA - Twenty Looks or Paris is Burning at the Judson Church

21 et 22 avril à la Fabrique - CDC de Toulouse

(M)imosa s'inspire du "voguing", mouvement du début des années soixante, à Harlem New York : performances sociales pratiquées principalement par les gays, lesbiennes et transgenres d'origine afro-américaine et latinos. Le voguing imite des types sociaux liés au monde de la mode, du luxe et du business, en rejouant les catégories de genre et de race qui les fondent.

Dès le départ, une danseuse nous accoste, cheval fou, tout en gueule, dents, yeux ultra-expressifs, énergie virile et beauté d'une corps féminin ciselé de muscle, cheveux ondulés sauvage. Elle cavale, s'éclate, a chaud, se met les fesses à l'air et continue à cavaler, à se lancer dans cette course sans oublier son public.

Une même affirmation va traverser le spectacle "je m'appelle Mimosa". Et en effet, nous sommes dans la maison de Mimosa, une communauté qui se revendique de la même inspiration, figure emblématique plurielle, fictionnelle (?) féminine, masculine, transgenre. Mimosa trouve place sur une scène contemporaine. Mimosa dont les origines remontent aux quartiers pauvres et marginaux américains, se produit dans le microcosme de la danse contemporaine européenne et ici, toulousaine.

Dès lors, ils se succèdent, revendiquant d'être la vraie (M)imosa, présentant des performances mêlant danse, chant, imitations (dont une fabuleuse de Prince), créatures hybrides, fantasques, affirmant leurs goûts et couleurs (au sens propre !).

(M)imosa est jubilatoire. Elle ne se refuse rien, raconte des bribes d'histoires de vie ou de fiction. Tout est à la frontière : du vrai et fictionnel, du sexe masculin et féminin, de l'académique et posé à l'improvisé et spontanné. Tout se situe à la marge, dans un entre-deux engagé, empruntant sans complexes à un échantillon très larges de références.

(M)imosa et ses multiples identités, chante, danse son nom et existe. Nous n'en sommes que plus vivants.

Au Théâtre Garonne du 17 au 26 mars 2011

  La scène est dépouillée, d'un blanc clinique. Pas d'effet lumières. Pas franchement de décors. Pas franchement de costumes. Ils sont deux, un couple. Ils semblent traîner leur ennuie ensemble. Les mots s'égouttent doucement. L'un lit l'étiquette d'une bouteille de vin, l'autre un manuel de grève de la faim. Le point de départ est posé. Marion ne mange plus pour trouver, donner, un sens à sa vie. Une décision indéterminée est prise, un objectif beckettien qui pourrait trouver des consonances sociales ou politiques mais qui semble à priori seulement existentielle, un acte paradoxal qui annihile cette femme à petit feu, l'aspire de l'intérieur tandis qu'elle tente des questions, tandis qu'elle tente l'absurde, ou une expérience vélléitaire de gain d'argent avec son conjoint.
André espère gagner facilement de l'argent en répondant à un questionnaire. Un objectif sans grandeur qui s'avère une quête identitaire pseudo scientifique ou statistique, pas très humaine.

Les mots semblent inoffensifs. Deux êtres qui se cherchent des objectifs, une occupation.

Pourtant les conséquences s'infiltrent dans l'anodin, le résiduel. Le badinage flirte avec la vie et la mort, la filiation, les liens de couple et de famille, le sens de la vie, le sens de l'histoire, le sens de l'argent, de l'être ensemble et être seul.

Ils semblent pris dans une expérience clinique qu'ils se sont infligés eux-mêmes.

Les mots s'égrènent précis, pas si anodins, pas si badins.

Deux être humains s'épuisent, physiquement, psychologiquement, humainement face à nous, ils se perdent. Elle reste à terre, on ne sait pas où il part.

C'est un titre, une question personnelle, un débat national.

Identité semblait un masque neutre, il a pris figure humaine et grimace douloureux.

Texte et mise-en-scène Gérard Watkins avec Anne-Lise Heimburger et Fabien Orcier scénographie et lumières Michel Gueldry

Biennale de la danse de Lyon - 14 septembre

 Trente ans après, ou plutôt trente années durant, Nelken est sur scène.

Face à de telles oeuvres, on avance prudemment parce qu'on interroge un mythe. Alors, je m'accroche, scolairement à quelques grands axes.

La scénographie

Les oeillets roses. Un parterre d'oeillets, plantés sur toute la scène. Debout. Obligeant les danseurs à avancer précautionneusement pour leur première entrée. On ne peut pas se lasser de cette image. Petit à petit les oeillets sont écrasés, l'image ne se détèriore pas, elle enlève le voile de perfection pour laisser la tristesse, le cours du temps s'infiltrer.

Les interprètes

Un plateau d'une vingtaine d'interprètes.

Des physiques et des présences, des âges différents, des expériences, les héritiers de Pina, les danseurs historiques, la nouvelle génération. Nous sommes dans le présent et dans l'histoire de la danse, il n'y a pas de cloisonnement chez Pina mais une vérité. Cette vérité, elle se danse, elle se dit, elle se ressent, elle est diffuse et elle éclate.

Nelken

C'est étonnant de découvrir cette pièce avec quelque dizaine d'années de retard. La force est intacte et on y voit beaucoup de choses qui ont été par la suite reprises (et en moins bien, faut le dire).

Nelken me fait penser à la métaphore du roseau qui ploie sous la force du vent mais ne casse pas. Au départ, il y a la fragilité de l'espace, quelque chose de précieux. Puis, l'humanité s'emballe. Les rapports de force se dessinent, la séduction oscille entre innocence et domination. La scène est envahie de cartons et échaffaudage, la nature s'efface pour laisser place à un espace qui peut contenir une communauté d'individus, les émotions et la violence de leur lien.

Le mouvement va et vient : dans les gestes ritualisés des danseurs, les cycles mis en place, l'invidu et la communauté, l'intime et l'universel, le spectaculaire et sa réalité. Le spectateur est interpelé, tantôt plongé dans un oeuvre saisissante, tantôt directement interrogé. Du mouvement, de la vie, de la douceur et du mordant incisif, drôle de bipède que nous sommes.